La pintura, básicamente, es la técnica y el arte de crear imágenes mediante la utilización de diferentes pigmentos de color en una superficie. El material de esta puede ser una tela, madera, pared, papel u otros. Pintar un cuadro puede servirnos para desestresarnos y divertirnos en nuestro tiempo libre. En silencio o con música, los artistas retratan sus emociones o lo que les parece bonito.
Sin embargo, ¿qué técnicas se pueden utilizar? ¿Pintura al óleo? ¿Acuarelas? Si hace tiempo llevas buscando la manera de plasmar tus ideas a través de la pintura, es porque cuentas con una mente maravillosa y creativa que necesita expresarse. No obstante, ese río de pensamientos y emociones que buscas representar en tu pintura puede darte malos resultados, algo que podrás manejar con clases de pintura, donde encontraras un profesor o profesora dibujo.
A continuación, te dejamos todo lo que necesitas saber sobre técnicas de pintura que no incluyen el lápiz. En Superprof tenemos las mejores clases de pintura online para ti!
JFNavarro: Un Explorador de Estilos y Técnicas
JFNavarro (1977), es pintor y vive en la ciudad de Valdivia. Es co-fundador del taller artístico Puelche; espacio de formación, creación, producción y difusión para las artes visuales, donde además imparte talleres de pintura en óleo y acuarela. Su obra explora variados estilos y técnicas cuya inspiración está en el sur de Chile y la ciudad, donde usualmente utiliza la bruma y la neblina para dar una atmósfera atemporal a la pintura.
Ha realizado variadas exposiciones individuales y colectivas, ha recibido premios y menciones en concursos nacionales e internacionales, y ha realizado proyectos con fondos concursables Conarte y Fondart. Su trabajo artístico tiene dos partes: por un lado es la formación en pintura, dónde realizo talleres de pintura al óleo y acuarela en el Taller Artístico Puelche con más 40 estudiantes.
Y por otro lado está mí desarrollo como pintor, dónde me definiría como un explorador de diferentes estilos y técnicas. Considero que eso me permite estar en constante aprendizaje y desarrollo. El proceso de diseño para mí es el más importante, la relación del concepto del cuadro, el estilo, la técnica y la paleta, para mí significan lo medular de la obra, después que eso está definido, básicamente queda solo ejecutar.
En mí caso tiene relación con el punto de partida de una obra o serie, que es hacerse una pregunta, después la obra busca desarrollar una respuesta a esta pregunta. Dependiendo de que quiero decir en una temática en particular como respuesta , voy escogiendo los elementos que considero manifiestan mejor mí idea.
El Óleo: Flexibilidad Plástica y Oportunidades de Expresión
En el óleo en particular es la flexibilidad plástica, uno lo puede ocupar para todo tipo de obra, puedes trabajar la pintura tan delgada como si fuera una acuarela o como pasta con relieve. Puedes tener también el tiempo a tú favor, si manejas bien los materiales, lo puedes secar muy rápido o muy lento según necesites. Para mí todas las técnicas tienen algo que decir y no hay que perderse ninguna, pero el óleo es la que ofrece más oportunidades de expresión sin lugar a dudas.
Estar solo para mí es importante para pintar, prefiero que no haya distractores. Por ejemplo, la música me inspira bastante en el momento de hacerme una pregunta y de diseñar una obra, sin embargo al momento de pintar, no escucho música. Esto es porque la música tiene un tiempo con una velocidad de reproducción, y pasa que como la pintura tiene otra velocidad en su ejecución, se genera una diferencia en lo que está expresando la música y la parte de la obra que estoy ejecutando.
El primer consejo que le doy a mis estudiantes, es que le asignen el tiempo correcto a la técnica y al proceso. En especial en el estilo realista, es mejor abordar la obra por etapas y en capas de pintura. Otra cosa importante es planificar de antemano que irá dónde, el óleo es una pasta que si no manejas con un diseño previo, se mezclará de mala manera en la obra, generando colores sucios y no se podrán definir bien las formas.
Si estás partiendo con óleo es mejor hacer obras no superiores a 50cm del lado mayor y con temas sencillos donde la prioridad sea el reconocimiento del óleo como material. En el caso del óleo me gusta empastar con pinceles de pelo de cerdo por su capacidad de llevar cargas espesas de pintura, pero después uso pinceles sintéticos muy suaves para distribuir. En el caso de la acuarela los pinceles son un mundo y siempre estoy probando, pero parto la obra con pinceles de pelo natural que puedan llevar bastante agua, y después paso a sintéticos que puedas llevar acuarela un poco más pastosa.
Momentos Clave en la Trayectoria de JFNavarro:
- Cuándo recibí de regalo un kits de pintura, que me mantuvo todo ese verano entretenido.
- Cuándo descubrí a Caravaggio, que fue tan inspirador para mí que mucho de lo que enseño en mí taller tiene que ver con su proceso.
- Cuándo junto a mí amigo y artista Victor Alvarez fundamos en el 2015 el Taller Artístico Puelche.
Tengo varios artistas referentes, pero uno que me llena mucho es el estadounidense Jeremy Mann, me encanta como logra armonizar lo abstracto con lo figurativo, es una propuesta moderna pero con muchos argumentos estéticos clásicos.
Mí inspiración tiene mucho que ver con Valdivia, dónde el invierno y la lluvia son parte importante del paisaje, así que se generan tonos grises verdosos y azules. Para algunos les genera sensaciones negativas, pero la verdad es que depende de la persona, a mí eso me inspira y logro apreciar una belleza muy compleja en ese paisaje.
Técnicas de Pintura Artística
Existen diversas técnicas de pintura que los artistas pueden utilizar para expresar su creatividad. A continuación, exploraremos algunas de las más comunes:
Pintura al Óleo: Una Técnica Noble y Duradera
La pintura al óleo es considerada una técnica noble por muchos. La pintura al óleo es una pintura hecha con pigmentos y aceite desecado. No se seca, sino que se endurece. De ahí su complejidad. Con la tecnica del óleo, clasificada dentro de los métodos húmedos, es posible lograr diversos efectos y grados de claroscuro, de texturas y de colores.
Estos se llevan a cabo sobre algodón o lino, tela que se tensa en un bastidor de madera, generalmente. Entre estas características, destaca el hecho de tener que esperar varias semanas entre las diferentes aplicaciones de capas de pintura. Una de las principales características que debes manejar cuando utilizas la técnica de la pintura al óleo es que se esta se realiza en varias fases. Existe un boceto, se reproduce posteriormente con carboncillo, se realiza la primera capa fina y, finalmente, las siguientes de las mismas aunque no olvides que estas siempre serán más gruesas.
| Característica | Descripción |
|---|---|
| Flexibilidad plástica | Permite trabajar la pintura de forma delgada o como pasta con relieve. |
| Tiempo a favor | Se puede secar rápido o lento según se necesite. |
| Aplicación por capas | Requiere varias fases y tiempos de espera entre capas. |
Pintura Acrílica: Facilidad y Versatilidad
El uso de la pintura acrílica está muy extendido y es apreciado por los pintores debido a su facilidad de aplicación y a su precio, bastante económico en comparación con otras técnicas como la pintura al óleo, que a veces puede ser muy costosa. La pintura que se hace con material acrilico, deriva de la pintura industrial de automóviles y del edificio y se implementa por primera vez en los Estados Unidos antes de llegar a otras partes del planeta. Se hace famosa por el gran pintor Andy Warhol, te suena, ¿verdad?
La pintura de tipo acrilico se utiliza para todo tipo de obras artísticas: retratos, naturaleza muerta, paisajes, modelos vivos, diseño industrial, etc. Todo es válido. Se enseña junto con otras técnicas de dibujo y de pintura como la aguada, la tinta india, los pasteles secos, el carboncillo o las acuarelas, entre otras. No te olvides de adquirir unos pinceles de calidad. El interés de este tipo de pintura es que se seca muy rápidamente, lo que nos permite realizar trabajos en poco tiempo sin tener que perder la cabeza como en la pintura al óleo o con las acuarelas, donde debemos prestar atención a la cantidad de agua.
Acuarelas: Transparencia y Delicadeza
La acuarela, una de las técnicas favoritas de los amantes de la naturaleza y de los viajes, es una técnica que está en auge en el mundo del arte. Sin embargo, no siempre ha sido así. De la época de Herodes, la pintura de acuarela se ha percibido durante mucho tiempo como una técnica reservada para el estudio. En otras palabras, se utilizó para preparar la verdadera obra que posteriormente se pintó con pintura al óleo o pintura acrílica. No obstante, la acuarela goza en la actualidad de un gran reconocimiento y se utiliza como una verdadera técnica en sí misma.
A los pintores que utilizan esta tecnica también se les denomina «acuarelistas». Como sabes, es muy habitual encontrar cursos y talleres de pintura que se organizan con asiduidad para aprender a dibujar y a pintar una naturaleza muerta, un paisaje, un retrato, un árbol, etc. La acuarela es diferente a otras técnicas de pintura porque es una pintura al agua, lo que caracteriza las clases de acuarela. Para pintar en acuarelas, necesitas un poco de pintura y mucha agua. Su facilidad de transporte y la escasez de material necesario la convierten en la pintura favorita de los y las nómadas.
Pasteles: Dibujo y Pintura en Uno
El pastel es una de las técnicas más inusuales en pintura. Algunos lo consideran como una técnica de dibujo, otros como una técnica de pintura. Esto se debe a que los pasteles se pueden utilizar para dibujar y pintar. Aunque dependerá del tipo de pastel utilizado. De hecho, existen varios pasteles en las artes plásticas. Pueden ser pasteles secos (suaves o duros) o pasteles grasos (al óleo o a la cera). Algunos pasteles se pueden usar con agua, mientras que otros deben usarse como tales para una mejor reproducción.
Christopher Riquelme: Emprendimiento Artístico en la Era Digital
Otro caso es el de Christopher Riquelme, licenciado en artes plásticas y pintor de la Universidad de Chile, de 26 años, quien ha emprendido con la creación de figuras coleccionables que vende a través de redes sociales. Recibe pedidos personalizados de figuras basadas en videojuegos, anime, series y películas. Su proceso comienza con el modelado digital en computadora, seguido de la impresión 3D y un minucioso trabajo de limpieza y curado de la resina, hasta llegar a la pintura final de cada figura.
Además, Christopher también se dedica a la edición y creación de modelos 3D. Dedica su tiempo completo a este emprendimiento, aunque al principio tuvo que realizar una inversión considerable en herramientas. A medida que fue vendiendo, logró recuperar parte de esa inversión, aunque cada mes debe contar con stock de resina y pintura para seguir produciendo.
Testimonial Spaces: Un Pabellón de Pintura Social y Pública
En el hall del MAC de Parque Forestal nos encontramos con una gran caja de madera con puntales que sostienen sus lados. Los tonos llaman la atención de quien ingrese al edificio, porque se genera un fuerte recorte entre el azul de la estructura y los blancos del museo. A su vez, las columnas y arcos neoclásicos contrastan con las simples tablas de las que está construido este contenedor. Al entrar podemos ver bien: son 525 pinturas que van casi desde el techo al suelo. Todas ellas manejan una escala cromática igual (azul cobalto, ocre amarillo, laca carmín y blanco de zinc), por lo que los muros se sienten relativamente uniformes a pesar de que las obras representan distintas cosas.
La luz es cenital, fría e igualmente distribuida, de modo que ninguna tela tenga mayor protagonismo que la otra. Quien ingresa a este contenedor queda envuelto por una arquitectura que define un espacio limitado, no hay ventanas ni fugas posibles. Lo que ves es lo que hay. Pero lo más curioso es que todo esto que describo no es una “obra de arte” como tradicionalmente vemos en un museo, es un objeto que transita en los límites de disciplinas y que encuentra en el MAC un lugar donde desplegarse sin problemas.
Más específicamente, es el pabellón chileno para la Bienal de Arquitectura de Venecia recién pasada, llamado Testimonial Spaces y curado por Emilio Marín y Rodrigo Sepúlveda. Estas vivencias fueron traducidas a las 525 pinturas encargadas a 21 pintores dirigidos por el artista Pablo Ferrer, quien actuó como director de contenidos, junto con los curadores. Mediante el rígido método ideado por Marín, Sepúlveda y Ferrer, los organizadores se aseguraron de que ningún pintor asistiera a este pabellón en calidad de artista, sino más bien como “obrero de la pintura”, con todo lo que ello implicaría a la hora de cuestionar el estatuto casi principesco del artista contemporáneo.
Las memorias que están presentes en las telas van desde hechos trágicos como la muerte de vecinos y los allanamientos durante la dictadura cívico-militar, a fiestas o incluso a hechos aparentemente irrelevantes, como niños que juegan. La idea de memoria heroica que tradicionalmente se asocia a lugares como la José María Caro se ve disputada por los recuerdos que no siempre registran aquello que la historia luego se encarga de escribir.
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